+7 921 904 35 84
Никольская пл., 6
Никольская пл., 6
Новости
27 мая - 26 июля 2025
«Муравей муравью - Жук, Сверчок и Стрекоза», В. Пелевин
27 мая в 18:00 в галерее «Матисс Клуб» откроется групповая выставка «Жизнь насекомых». Масштабный выставочный проект включает в себя больше 80 работ 50 авторов, среди которых: Геннадий Устюгов, Саша Белле, Валерий Гриковский, Наташа Хабарова, Маша Гадалова, Таня Сергеева, Юлия Сопина, Маша Иванова, Юля Картошкина, Елена Камаева, Валерий Мишин, Михаил Гавричков, Глеб Ершов, Антонина Фатхуллина, Андрей Рудьев, Вася Хорст, Вильгений Мельников, Александр Флоренский, и многие другие. Кураторы выставки - Кирилл Дацук и Юлия Бородина. Выставка продлится до 26 июля. Стоимость билета: 150 рублей.
Грань между миром людей и жуков призрачна, а где-то - намеренно стерта, так что зрителю порой тяжело догадаться, кого же именно он видит перед собой - человека, насекомое или нечто принципиально иное. Об этом знали как философы, так и детские писатели - от Жана Поля Сартра и Франца Кафки до Виктора Пелевина и Корнея Чуковского.
Выставочный проект - это не столько иллюстративный материал, это личная рефлексия, свободное рассуждение на тему. Творческая фантазия не терпит границ, художники проекта каждый рассказывают свою историю. Ведь у нас всех есть опыт контакта с насекомым - как во вне, так и в себе самом.
Издревле мир насекомых был человеку потусторонним, "загранным" и чужим - чтобы не сказать враждебным - живущим другой логикой. Лишенный понятий милосердия. Но подчиняющийся нам неведомым и жестоким законам.
Апеллируя образами мира насекомых, художники нащупывают сравнения с человеческой реальностью, это поиски границ «человеческого» - что составляет и отличает эту самую человеческую реальность от реальности насекомых? Авторы обращаются к процессу трансформации - от человека к насекомому и от насекомого к человеку. Некоторые объекты предоставляют собой инструменты такого превращения и/или элементы перехода. В конце концов, не это ли главная задача мира искусства - открывать дверь в другой мир?
Конечно, сравнение с человеческой жизнью неизбежно. Во-первых, потому что работы создавались людьми, по крайней мере, большинство, а во-вторых, оценивать их тоже предоставляется людям. Или может быть нет?
9 апреля - 8 мая 2025
«Иллюзия» Александра Горяева
9 апреля в 18:00 в галерее «Матисс Клуб» откроется выставка Александра Горяева «Иллюзия». Проект включает в себя более 70 живописных и графических работ. Выставка продлится до 8 мая. Вход свободный.
Александр Горяев известен широкому зрителю, в первую очередь, как один из членов легендарной петербургской группы «Митьки». Однако еще в бытность объединения его живопись сильно выделялась художественной независимостью и особой утонченностью, а в послемитьковский период приобрела мистический характер.
Математик по образованию, Александр Горяев удивительным образом сочетает выверенность архитектоники и неуверенную загадочность Петербурга. Изображение то собирается перед глазами, то исчезает в туман, сумерки или дождливую непроглядную морось города. Зыбкость содержания – один из главных художественных и идеологических постулатов ленинградского нонконформизма – у Горяева удерживает строгость формы, оставляя зрителя в состоянии перехода.
Наследие неофициальных шестидесятых прослеживаются и в сюжетах с танцующими. Горяев выбирает танго: на фоне сдержанной пластики пейзажей в танце проступает решительная искренность Владимира Шагина. Такая двойственная природа Горяева-живописца – точное попадание в гоголевский Петербург («все ложь, все обман, все не то, чем кажется»). Заставляет задуматься, Александр Горяев ли выбрал Петербург как главного героя своих произведений, или же город выбрал его?
Горяев Александр Николаевич (1952 г., Лиепая, Латвия)
Живописец, график. Входил в ТЭИИ, участник творческих объединений «Митьки» и сообщества «Васильки», член IFA.
Получил высшее Математическое образование в Ленинградском университете. Параллельно увлекался живописью — учился в изостудии в Калининграде, посещал рисовальные классы Академии Художеств. Впервые выставился в ДК им. Кирова в 1981 году в групповой выставке вместе с Владленом Гаврильчиком и Валерием Вальраном.
Работы художника хранятся в коллекциях ЦВЗ «Манеж», Музея нонконформистского искусства, Музея истории Санкт-Петербурга, Государственного музейного объединения «Художественная культура Русского Севера» и других.
7 марта - 3 апреля 2025
«Зимний Петербург» Валерия Вальрана
7 марта в 18:00 в галерее «Матисс Клуб» откроется выставка Валерия Вальрана «Зимний Петербург». Экспозиция включает в себя живописные и графические работы с 1970-х гг. по настоящее время. Выставка продлится до 3 апреля. Вход свободный.
Мое первое знакомство с творчеством Валерия Вальрана состоялось в конце 1990-х годов, когда я увидел его петербургскую серию работ: отрешенный от времени город представал на холстах во всей красе: суховатой строгой графике линий, бледной палитре красок домов под бесцветным небом. Время по-прежнему не изменило ни город, ни восприятие его художником. Спустя годы, вернувшись к петербургской серии, Валерий обнаруживает те же устойчивые константы видения города, имеющего вневременной метафизический статус бытия. Петербуржский пейзаж у него больше, чем пейзаж. Выход в пространство города сопряжен с соприкосновением с вечностью, растворением во всепоглощающем воздухе неверного света, пронизывающего улицы и дома, дематериализующего их. Конкретный, узнаваемый до фотографической точности вид в картинах художника становится выстроенным завершенным целым, кажется, не по его воле, а сам по себе, благодаря заложенной в нем роковой предначертанности воплощения.
Очертания города появляются на полотне подобно проявленному изображению на светочувствительной поверхности фотобумаги – сами собой, без вмешательства извне. Свойство петербуржского пейзажа – быть явленным – задает ему особенные пространственно-временные координаты существования. Эта онтологическая природа иконического города, кажется, противоречит известной мифологеме о его призрачном, фантомном, умышленном статусе бытия. Вневременность, выключенность из хода стремительно бегущей истории не противоречит, однако, эфемерности и скоротечности как миг и вечность, и в этом заключается некая сюрреалистичность этой петербургской серии. Решающим приводящим фактором такого восприятия является пустота, безмолвным разреженным и незримым присутствием заполняющая пейзаж. Время года – зима, что подтверждается рассыпанным повсюду ровным покровом снега, но молочный свет, истончающий плоть домов, перенесен сюда из белых ночей. Вечный сумрак петербургской зимы, соединенный со все пронизывающим светом белой ночи, смещает оси времени, создавая эффект остраненности, вненаходимости присутствия здесь наблюдателя. Ведь мы не можем этого видеть в реальности, следовательно, наше присутствие под вопросом. Хочется украдкой ущипнуть себя, чтобы удостовериться в узнаваемости изображенного пейзажа.
Отсутствие людей вызывающе: они безжалостно изгнаны отовсюду неведомой силой, очистивший от них улицы, площади, набережные, дома. Вид сверху лишен привязки к конкретике взгляда проходящего человека, что лишает увиденное теплоты присутствия, напротив, холодность и отрешенность господствуют во всем. Один из пейзажей открывает вид поверх домов на Неву и Английскую набережную. Дома на переднем плане расступаются, сосредотачивая наш взгляд на ровной белой поверхности Невы. Ровные серые окна пугающе безжизненны. Ледяная пустыня доминирует в пространстве города, покинутого людьми. Этот холст напомнил мне фотографию Ленинграда, сделанную Борисом Смирновым в блокадную зиму 1941–42 годов. Под обрез кадра теснятся дворцы Английской набережной, весь кадр же заполняет белый лед, опрокинутый на нас скованной реки, и только в самом углу виднеется крохотный силуэт шагающей навстречу ветру и метели фигурки человека. Образ блокады – это вымороченный пустой город, в котором люди, оказавшиеся в кадре, скорее исключение – они призраки в этом царстве смерти. В пейзажах художника нет драматизма и страшного морока блокадной зимы. Напротив, отсутствие людей, торжественная, спокойная величавость опустевшего города примиряют нас с обезлюдившим пространством, создавая ощущение интриги одинокого путешествия в метафизическое бытие Петербурга.
Уютность теплой петербургской зимы, когда мягкость нежных акварельных красок оправлены спокойной белизной снега, настраивает на неспешную прогулку, точнее облет города в прекрасном ностальгическом сне. Может быть, это идеальный Петербург детства с прозрачными тонкими ветвями деревьев, проталинами на Мойке и Зимней канавке и легкой голубизной неба, предвещающего весну. Цвет в этом пренатальном мире еще не родился, он только намечен робкой кистью: прикосновением воздушных колеров, обозначающих свою возможность. Картонный невесомый мир, ритмизованный мерными рядами окон, колонн, деревьев, оград, размеченный уходящими к горизонту улицами и каналами, создан не для какого-то драматического действия, а ради манящей каждый раз перспективы, чередования планов, мнимой, призрачной глубины декораций.
Примечательно, что первые рисунки с видами метафизического отрешенного Петербурга были созданы Вальраном еще в середине 1970-х годов, в «глухие времена застоя», как принято говорить сейчас. Тогда время в городе как будто замерло, перетекло в темные подворотни и парадные петербургских домов, спрятавшись там, свернувшись улиткой безвременья до поры. Карандашные рисунки того времени сделаны наивным художником неофитом, только-только начинающим путь в искусстве. Они старательны и робки, но в них в свернутом виде таится уже весь будущий мир того Петербурга, который будет создан впоследствии. Художник сумел сохранить ту первую ясность и чистоту взгляда, сделав первоначальную манеру кропотливого рисования практически без теней, одной тягучей и цепкой линией своим фирменным стилем. Прошло примерно полвека, а город все так же завораживающе притягателен в своей узнаваемой маркировке микродеталей оконных проемов, печных труб над жестяными кровлями, раструбов водосточных труб и паутинным кружевом верхушек деревьев. Эти базовые элементы петербургского универсума Вальрана так же неизменны, как шар, цилиндр и конус во вселенной Сезанна. В 1996 году он создал серию, возвращение к которой спустя тридцать лет на первый взгляд не привнесло существенных изменений. За исключением одного. Времени года. На смену ранней весне вернулась зима, убрав едва проступившую травку под белый покров. Время снова свернулось улиткой, замерев в кристально чистом и возвышенно строгом петербургском пространстве, чей лик причастен вечности.
Мое первое знакомство с творчеством Валерия Вальрана состоялось в конце 1990-х годов, когда я увидел его петербургскую серию работ: отрешенный от времени город представал на холстах во всей красе: суховатой строгой графике линий, бледной палитре красок домов под бесцветным небом. Время по-прежнему не изменило ни город, ни восприятие его художником. Спустя годы, вернувшись к петербургской серии, Валерий обнаруживает те же устойчивые константы видения города, имеющего вневременной метафизический статус бытия. Петербуржский пейзаж у него больше, чем пейзаж. Выход в пространство города сопряжен с соприкосновением с вечностью, растворением во всепоглощающем воздухе неверного света, пронизывающего улицы и дома, дематериализующего их. Конкретный, узнаваемый до фотографической точности вид в картинах художника становится выстроенным завершенным целым, кажется, не по его воле, а сам по себе, благодаря заложенной в нем роковой предначертанности воплощения.
Очертания города появляются на полотне подобно проявленному изображению на светочувствительной поверхности фотобумаги – сами собой, без вмешательства извне. Свойство петербуржского пейзажа – быть явленным – задает ему особенные пространственно-временные координаты существования. Эта онтологическая природа иконического города, кажется, противоречит известной мифологеме о его призрачном, фантомном, умышленном статусе бытия. Вневременность, выключенность из хода стремительно бегущей истории не противоречит, однако, эфемерности и скоротечности как миг и вечность, и в этом заключается некая сюрреалистичность этой петербургской серии. Решающим приводящим фактором такого восприятия является пустота, безмолвным разреженным и незримым присутствием заполняющая пейзаж. Время года – зима, что подтверждается рассыпанным повсюду ровным покровом снега, но молочный свет, истончающий плоть домов, перенесен сюда из белых ночей. Вечный сумрак петербургской зимы, соединенный со все пронизывающим светом белой ночи, смещает оси времени, создавая эффект остраненности, вненаходимости присутствия здесь наблюдателя. Ведь мы не можем этого видеть в реальности, следовательно, наше присутствие под вопросом. Хочется украдкой ущипнуть себя, чтобы удостовериться в узнаваемости изображенного пейзажа.
Отсутствие людей вызывающе: они безжалостно изгнаны отовсюду неведомой силой, очистивший от них улицы, площади, набережные, дома. Вид сверху лишен привязки к конкретике взгляда проходящего человека, что лишает увиденное теплоты присутствия, напротив, холодность и отрешенность господствуют во всем. Один из пейзажей открывает вид поверх домов на Неву и Английскую набережную. Дома на переднем плане расступаются, сосредотачивая наш взгляд на ровной белой поверхности Невы. Ровные серые окна пугающе безжизненны. Ледяная пустыня доминирует в пространстве города, покинутого людьми. Этот холст напомнил мне фотографию Ленинграда, сделанную Борисом Смирновым в блокадную зиму 1941–42 годов. Под обрез кадра теснятся дворцы Английской набережной, весь кадр же заполняет белый лед, опрокинутый на нас скованной реки, и только в самом углу виднеется крохотный силуэт шагающей навстречу ветру и метели фигурки человека. Образ блокады – это вымороченный пустой город, в котором люди, оказавшиеся в кадре, скорее исключение – они призраки в этом царстве смерти. В пейзажах художника нет драматизма и страшного морока блокадной зимы. Напротив, отсутствие людей, торжественная, спокойная величавость опустевшего города примиряют нас с обезлюдившим пространством, создавая ощущение интриги одинокого путешествия в метафизическое бытие Петербурга.
Уютность теплой петербургской зимы, когда мягкость нежных акварельных красок оправлены спокойной белизной снега, настраивает на неспешную прогулку, точнее облет города в прекрасном ностальгическом сне. Может быть, это идеальный Петербург детства с прозрачными тонкими ветвями деревьев, проталинами на Мойке и Зимней канавке и легкой голубизной неба, предвещающего весну. Цвет в этом пренатальном мире еще не родился, он только намечен робкой кистью: прикосновением воздушных колеров, обозначающих свою возможность. Картонный невесомый мир, ритмизованный мерными рядами окон, колонн, деревьев, оград, размеченный уходящими к горизонту улицами и каналами, создан не для какого-то драматического действия, а ради манящей каждый раз перспективы, чередования планов, мнимой, призрачной глубины декораций.
Примечательно, что первые рисунки с видами метафизического отрешенного Петербурга были созданы Вальраном еще в середине 1970-х годов, в «глухие времена застоя», как принято говорить сейчас. Тогда время в городе как будто замерло, перетекло в темные подворотни и парадные петербургских домов, спрятавшись там, свернувшись улиткой безвременья до поры. Карандашные рисунки того времени сделаны наивным художником неофитом, только-только начинающим путь в искусстве. Они старательны и робки, но в них в свернутом виде таится уже весь будущий мир того Петербурга, который будет создан впоследствии. Художник сумел сохранить ту первую ясность и чистоту взгляда, сделав первоначальную манеру кропотливого рисования практически без теней, одной тягучей и цепкой линией своим фирменным стилем. Прошло примерно полвека, а город все так же завораживающе притягателен в своей узнаваемой маркировке микродеталей оконных проемов, печных труб над жестяными кровлями, раструбов водосточных труб и паутинным кружевом верхушек деревьев. Эти базовые элементы петербургского универсума Вальрана так же неизменны, как шар, цилиндр и конус во вселенной Сезанна. В 1996 году он создал серию, возвращение к которой спустя тридцать лет на первый взгляд не привнесло существенных изменений. За исключением одного. Времени года. На смену ранней весне вернулась зима, убрав едва проступившую травку под белый покров. Время снова свернулось улиткой, замерев в кристально чистом и возвышенно строгом петербургском пространстве, чей лик причастен вечности.
Глеб Ершов.
5 февраля - 4 марта 2025
«Ёлки и кружево». Иван Сотников и Ирина Васильева
5 февраля в 18:00 в галерее «Матисс Клуб» откроется выставка «Иван Сотников – Ирина Васильева. Ёлки и кружево». Проект посвящен плодотворному творческому союзу двух художников в период с 1990-х по 2010-е гг. Более 80 живописных произведений представлены в формате диалога: работы каждого автора на одну тему демонстрируются рядом, соглашаясь друг с другом или вступая в спор. Выставка продлится до 4 марта. Вход свободный.
Сотрудничество Ивана Сотникова и Ирины Васильевой, как любого талантливого дуэта, обросло мифами и слухами. Художник-священник Иван Сотников, брутальный и бесстрашный, принадлежал к миру «Новых художников», тогда как по-хозяйски педантичная и тонкая в живописи Ира Васильева известна как «королева митьков». Их фигуры настолько колоссальны, что не умещались ни в какую-то одну группу, ни в определенное направление. Удивительно, союз этих двух независимых авторов оказался настолько гармоничным, что порой они становятся неотделимы.
Ёлки, цветы, грибы, рыбы, раковины, сосны – самостоятельные персонажи, проживающие свою жизнь на холстах двух художников, перекочевывая из одного полотна в другое. Это целостные очерки из жизни объектов без острословия, злободневности и критики – импринтинг реальности с изрядной долей юмора.
В решительности движения рук авторов, композиционного отсечения лишнего скрыта основополагающая сила Сотникова-Васильевой – свобода. Свобода линий, цвета, творчества, самоосуществления. С этим свободным нонконформистским духом художники создают антологию бытовой жизни, напоминая нам о том, что порой незначительные вещи и несущественные детали определяют суть нашего существования.
Васильева Ирина Геннадьевна (1970 г., Ленинград)
Живописец, график.
После окончания ДХШ No1 и СХШ при Академии художеств, поступает в Ленинградский свободный университет в мастерскую Бориса Юхананова.
С 1987 участвует в выставках ленинградской группы художников «Митьки», активно выступает с «Новыми Художниками». Наиболее известны ее работы, созданные в творческом тандеме с Иваном Сотниковым. В нулевых, помимо персональных экспозиций, принимала участие в выставках «Общества Любителей Живописи и Рисования» (ОЛЖИР). В 2010 году объединила группу художников «Васильки».
Для творчества Васильевой характерен особый интерес к разнообразию материалов, экспериментам в живописи, в коллаже и в печатной графике. Среди прочего, Ира работает в жанре мультипликации: ее видеоматериалы хранятся в частной видеотеке в Вене.
На сегодняшний день Ира Васильева живет и работает в Кронштадте.
Произведения Иры находятся в музейных коллекциях Государственного Русского музея, Красноярского художественного музея и других.
Сотников Иван Юрьевич (1961 г., Ленинград – 2015 г., Санкт-Петербург).
Живописец, график, священник. Член Товарищества Экспериментального Изобразительного Искусства (ТЭИИ), группы «Новые художники».
Учился в вечерней художественной школе № 1 на Фонтанке, после чего в 1982 г. поступил в Александровский профессиональный лицей на отделение фотографии. В 1996 г. принял сан священника.
Работал тискальщиком в типографии, дворником, истопником, сторожем церкви в Вырице (во имя Казанской иконы Божьей матери). Входил в ТЭИИ. Один из основателей группы «Новые художники». Выставлялся с группой «Митьки», а вместе с А. Флоренским в 2004 г. основал «Общество любителей рисования».
Работы Ивана Сотникова находятся в коллекциях Государственного Русского музея, ЦВЗ "Манеж" и других музейных и частных коллекциях.
Сотрудничество Ивана Сотникова и Ирины Васильевой, как любого талантливого дуэта, обросло мифами и слухами. Художник-священник Иван Сотников, брутальный и бесстрашный, принадлежал к миру «Новых художников», тогда как по-хозяйски педантичная и тонкая в живописи Ира Васильева известна как «королева митьков». Их фигуры настолько колоссальны, что не умещались ни в какую-то одну группу, ни в определенное направление. Удивительно, союз этих двух независимых авторов оказался настолько гармоничным, что порой они становятся неотделимы.
Ёлки, цветы, грибы, рыбы, раковины, сосны – самостоятельные персонажи, проживающие свою жизнь на холстах двух художников, перекочевывая из одного полотна в другое. Это целостные очерки из жизни объектов без острословия, злободневности и критики – импринтинг реальности с изрядной долей юмора.
В решительности движения рук авторов, композиционного отсечения лишнего скрыта основополагающая сила Сотникова-Васильевой – свобода. Свобода линий, цвета, творчества, самоосуществления. С этим свободным нонконформистским духом художники создают антологию бытовой жизни, напоминая нам о том, что порой незначительные вещи и несущественные детали определяют суть нашего существования.
Васильева Ирина Геннадьевна (1970 г., Ленинград)
Живописец, график.
После окончания ДХШ No1 и СХШ при Академии художеств, поступает в Ленинградский свободный университет в мастерскую Бориса Юхананова.
С 1987 участвует в выставках ленинградской группы художников «Митьки», активно выступает с «Новыми Художниками». Наиболее известны ее работы, созданные в творческом тандеме с Иваном Сотниковым. В нулевых, помимо персональных экспозиций, принимала участие в выставках «Общества Любителей Живописи и Рисования» (ОЛЖИР). В 2010 году объединила группу художников «Васильки».
Для творчества Васильевой характерен особый интерес к разнообразию материалов, экспериментам в живописи, в коллаже и в печатной графике. Среди прочего, Ира работает в жанре мультипликации: ее видеоматериалы хранятся в частной видеотеке в Вене.
На сегодняшний день Ира Васильева живет и работает в Кронштадте.
Произведения Иры находятся в музейных коллекциях Государственного Русского музея, Красноярского художественного музея и других.
Сотников Иван Юрьевич (1961 г., Ленинград – 2015 г., Санкт-Петербург).
Живописец, график, священник. Член Товарищества Экспериментального Изобразительного Искусства (ТЭИИ), группы «Новые художники».
Учился в вечерней художественной школе № 1 на Фонтанке, после чего в 1982 г. поступил в Александровский профессиональный лицей на отделение фотографии. В 1996 г. принял сан священника.
Работал тискальщиком в типографии, дворником, истопником, сторожем церкви в Вырице (во имя Казанской иконы Божьей матери). Входил в ТЭИИ. Один из основателей группы «Новые художники». Выставлялся с группой «Митьки», а вместе с А. Флоренским в 2004 г. основал «Общество любителей рисования».
Работы Ивана Сотникова находятся в коллекциях Государственного Русского музея, ЦВЗ "Манеж" и других музейных и частных коллекциях.
21 декабря 2024 - 25 января 2025
«Слышу музыку». Ретроспектива Геннадия Устюгова
21 декабря в 17:00 в галерее «Матисс Клуб» откроется ретроспективная выставка легенды ленинградского андеграунда Геннадия Устюгова «Слышу музыку». Помимо живописных и графических работ экспозиция включает поэтические тексты художника. Выставка продлится до 25 января, на ней представлено около 100 работ художника, в том числе из частных коллекций. Вход свободный.
Фигура Геннадия Устюгова – как живописца и поэта – неразрывно связана с художественной жизнью Ленинграда 70-80-х, а с другой стороны - стоит очень обособлено. Биография его напоминает жизненный путь многих – от Александра Арефьева до Боба Кошелохова. Но вот в творческом плане отказ от брутальности в пользу тонкой и тихой нежности ярко выделяет Устюгова на сцене ленинградского нонконформизма.
Работы Геннадия Афанасьевича можно назвать «картинами в себе», которые, руководствуясь принципом экономии художественных средств, вбирают в себя все атрибуты внешнего мира. Все, да не все. Вопреки законам реальности, герои Геннадия Устюгова – одушевленные. И лестница, и лютня, и дамы-ду́ши (или дамы души́) – внутри полотен проживают свою жизнь персонажи, животные, предметы, и делают это вне зависимости от глаз смотрящего.
Пограничное состояние между сном и реальностью работ Устюгова, как у Мамонова в «Спишь, не спишь…», сродни чувству просветления. В духовном поиске, отчуждении, одиночестве и жажде катарсиса находятся как герои его полотен, так и их зрители.
Устюгов Геннадий Афанасьевич (1937 г., Токмак, Чуйская обл.)
Художник и поэт, один из самых ярких представителей неофициального искусства Ленинграда 1970-1980-х годов. С 1953 по 1956 год учился в СХШ. Был исключен за увлечение импрессионистами. Занимался в изостудии Дворца культуры им. В. И. Ленина. Сменил множество профессий, работал слесарем, сварщиком, маляром, грузчиком, разнорабочим. С конца 1960-х годов Устюгов активно занимался живописью, в 1974 году участвовал в легендарной выставке в ДК им. Газа, был членом ТЭВ (Товарищество экспериментальных выставок) с момента его образования (1975), затем членом ТЭИИ (Товарищество Экспериментального Изобразительного Искусства, 1981-1989) и участником их ежегодных выставок. В это время дружил с Олегом Григорьевым, Михаилом Шемякиным, Владимиром Яшке, Олегом Фронтинским.
Произведения художника хранятся в музейных собраниях:
• Государственный Эрмитаж, С-Петербург
• Государственный Русский музей, С-Петербург
• Государственный музей «Царскосельская коллекция», Пушкин
• Музей нонконформистского искусства, С-Петербург
• МИСП, С-Петербург
• Новый Музей, С-Петербург
• Государственный музей городской скульптуры, С-Петербург
• Центральный музей связи имени А. С. Попова, С-Петербург
• Астраханская картинная галерея им. П.М. Догадина
• Мурманский областной художественный музей
• Новосибирский государственный художественный музей
• Нижнетагильский музей изобразительных искусств
• Самарский областной художественный музей
• Ставропольский краевой музей изобразительных искусств
• Тольяттинский художественный музей
• Чувашский государственный художественный музей, Чебоксары
• Ярославский художественный музей
Фигура Геннадия Устюгова – как живописца и поэта – неразрывно связана с художественной жизнью Ленинграда 70-80-х, а с другой стороны - стоит очень обособлено. Биография его напоминает жизненный путь многих – от Александра Арефьева до Боба Кошелохова. Но вот в творческом плане отказ от брутальности в пользу тонкой и тихой нежности ярко выделяет Устюгова на сцене ленинградского нонконформизма.
Работы Геннадия Афанасьевича можно назвать «картинами в себе», которые, руководствуясь принципом экономии художественных средств, вбирают в себя все атрибуты внешнего мира. Все, да не все. Вопреки законам реальности, герои Геннадия Устюгова – одушевленные. И лестница, и лютня, и дамы-ду́ши (или дамы души́) – внутри полотен проживают свою жизнь персонажи, животные, предметы, и делают это вне зависимости от глаз смотрящего.
Пограничное состояние между сном и реальностью работ Устюгова, как у Мамонова в «Спишь, не спишь…», сродни чувству просветления. В духовном поиске, отчуждении, одиночестве и жажде катарсиса находятся как герои его полотен, так и их зрители.
Устюгов Геннадий Афанасьевич (1937 г., Токмак, Чуйская обл.)
Художник и поэт, один из самых ярких представителей неофициального искусства Ленинграда 1970-1980-х годов. С 1953 по 1956 год учился в СХШ. Был исключен за увлечение импрессионистами. Занимался в изостудии Дворца культуры им. В. И. Ленина. Сменил множество профессий, работал слесарем, сварщиком, маляром, грузчиком, разнорабочим. С конца 1960-х годов Устюгов активно занимался живописью, в 1974 году участвовал в легендарной выставке в ДК им. Газа, был членом ТЭВ (Товарищество экспериментальных выставок) с момента его образования (1975), затем членом ТЭИИ (Товарищество Экспериментального Изобразительного Искусства, 1981-1989) и участником их ежегодных выставок. В это время дружил с Олегом Григорьевым, Михаилом Шемякиным, Владимиром Яшке, Олегом Фронтинским.
Произведения художника хранятся в музейных собраниях:
• Государственный Эрмитаж, С-Петербург
• Государственный Русский музей, С-Петербург
• Государственный музей «Царскосельская коллекция», Пушкин
• Музей нонконформистского искусства, С-Петербург
• МИСП, С-Петербург
• Новый Музей, С-Петербург
• Государственный музей городской скульптуры, С-Петербург
• Центральный музей связи имени А. С. Попова, С-Петербург
• Астраханская картинная галерея им. П.М. Догадина
• Мурманский областной художественный музей
• Новосибирский государственный художественный музей
• Нижнетагильский музей изобразительных искусств
• Самарский областной художественный музей
• Ставропольский краевой музей изобразительных искусств
• Тольяттинский художественный музей
• Чувашский государственный художественный музей, Чебоксары
• Ярославский художественный музей
29 ноября - 19 декабря
«Пепел и алмаз»: выставка Юрия Штапакова в Матисс Клубе
29 ноября в 17:00 в «Матисс Клубе» откроется выставка многоликого Юрия Штапакова – иллюстратора, печатного графика, живописца, преподавателя, автора объектов и книги художника. «Пепел и алмаз» - ретроспективное размышление художника о неиссякаемом источнике жизни в 66 предметах искусства. Выставка продлится до 19 декабря. Вход свободный.
Первое впечатление от работ Юрия Штапакова для зрителя любого уровня подготовки - это всегда чувство легкости. Легкости после бокала вина, искрометной шутки, встречи с далекими друзьями. Такая легкость достигается отношением автора к принципу творчества: отказ от излишнего нагромождения смыслов в пользу счастливого момента прозрения, экономии выразительных средств и емкого высказывания.
Эта наносная небрежность, несерьезность положений творца/творения - один из главных художественных приемов работ Юрия Штапакова. В каждом отдельно взятом материале Штапаков, с одной стороны, предстает в принципиально новом свете, а с другой - остается удивительно узнаваемым, заигрывая со зрителем и выстраивая целые зеркальные лабиринты - в прямом и переносном смысле. Бумага, холст, дерево, зеркало, кровельное железо - кирпичи этой мистерии-буфф, в которую зритель попадает как в кроличью нору.
Юрий Штапаков предлагает сыграть нам в жмурки, где задача зрителя продраться насквозь, вывернуть наружу все слои краски и дотянуться до руки художника.
Штапаков Юрий Александрович (1958 г., Ленинград).
Художник, график, автор объектов, преподаватель.
В 1978 году окончил Ленинградский Строительно-Архитектурный техникум, где получил образование в области графического дизайна и архитектуры. Юрий Штапаков — участник известной в 1980-х художественной группы «Железные семечки», график, живописец, коллекционер и признанный мастер hand-made книги. Иллюстрировал Б. Виана, Дж. Оруэлла, Дж. Р. Р. Толкиена, Л. Кэрролла, Д. Хармса. Работы Юрия Штапаков находятся в коллекциях Эрмитажной, Российской национальной, Александрийской библиотек, Библиотеке конгресса США и в частных коллекциях.
Первое впечатление от работ Юрия Штапакова для зрителя любого уровня подготовки - это всегда чувство легкости. Легкости после бокала вина, искрометной шутки, встречи с далекими друзьями. Такая легкость достигается отношением автора к принципу творчества: отказ от излишнего нагромождения смыслов в пользу счастливого момента прозрения, экономии выразительных средств и емкого высказывания.
Эта наносная небрежность, несерьезность положений творца/творения - один из главных художественных приемов работ Юрия Штапакова. В каждом отдельно взятом материале Штапаков, с одной стороны, предстает в принципиально новом свете, а с другой - остается удивительно узнаваемым, заигрывая со зрителем и выстраивая целые зеркальные лабиринты - в прямом и переносном смысле. Бумага, холст, дерево, зеркало, кровельное железо - кирпичи этой мистерии-буфф, в которую зритель попадает как в кроличью нору.
Юрий Штапаков предлагает сыграть нам в жмурки, где задача зрителя продраться насквозь, вывернуть наружу все слои краски и дотянуться до руки художника.
Штапаков Юрий Александрович (1958 г., Ленинград).
Художник, график, автор объектов, преподаватель.
В 1978 году окончил Ленинградский Строительно-Архитектурный техникум, где получил образование в области графического дизайна и архитектуры. Юрий Штапаков — участник известной в 1980-х художественной группы «Железные семечки», график, живописец, коллекционер и признанный мастер hand-made книги. Иллюстрировал Б. Виана, Дж. Оруэлла, Дж. Р. Р. Толкиена, Л. Кэрролла, Д. Хармса. Работы Юрия Штапаков находятся в коллекциях Эрмитажной, Российской национальной, Александрийской библиотек, Библиотеке конгресса США и в частных коллекциях.
4 октября - 4 ноября
«Прощание» Юлии Картошкиной
4 октября в 18:00 в «Матисс Клубе» откроется выставка работ Юлии Картошкиной. «Прощание» – первый самостоятельный проект для московской художницы в Петербурге. Экспозиция включает в себя более 30 живописных и графических работ последних 10 лет. Выставка продлится до 4 ноября. Вход свободный.
Творчество москвички Юлии Картошкиной кажется петербургскому зрителю достаточно привычным: художница-примитивистка известна своим добрым наивом, близким по духу Александру Флоренскому, Ирине Васильевой или Татьяне Сергеевой. Однако ее новый проект совершенно о другом.
«Прощание» представляет собой серию работ, посвященную потери отца.
Вместо ставших традиционными для художницы витальных пятен – земляная палитра голландской живописи, в основе сюжетов – библейские сцены, а улыбающиеся звери заменены плакальщицами. Это выставка-переживание, проработка личной драмы со счастливым концом: от просящих милостыню и тянущегося в петлю до улетающих в светлое небо голубей – своеобразного катарсиса не только для Картошкиной-дочери, но и для Картошкиной-художницы.
Эти произведения не только разговор по душам, это первый серьезный живописный опыт, с которого начался творческий путь художницы. «Прощение» сейчас – попытка оглянуться назад на свои первые шаги и порассуждать о творческом и жизненном пути, который каждый выбирает сам.
Картошкина Юлия Сергеевна (1985 г., Быка).
Художник, график, яркий представитель наивного искусства.
Окончила МХГПА им. Строганова, Российскую Государственную Специализированную Академию Искусств (мастерская О.Н. Лошакова).
Член Международного художественного фонда, член Московского союза художников, участник многочисленных выставок в Москве. Персональные выставки прошли в галереях «А3», «Циферблат» и ряде других.
Творчество москвички Юлии Картошкиной кажется петербургскому зрителю достаточно привычным: художница-примитивистка известна своим добрым наивом, близким по духу Александру Флоренскому, Ирине Васильевой или Татьяне Сергеевой. Однако ее новый проект совершенно о другом.
«Прощание» представляет собой серию работ, посвященную потери отца.
Вместо ставших традиционными для художницы витальных пятен – земляная палитра голландской живописи, в основе сюжетов – библейские сцены, а улыбающиеся звери заменены плакальщицами. Это выставка-переживание, проработка личной драмы со счастливым концом: от просящих милостыню и тянущегося в петлю до улетающих в светлое небо голубей – своеобразного катарсиса не только для Картошкиной-дочери, но и для Картошкиной-художницы.
Эти произведения не только разговор по душам, это первый серьезный живописный опыт, с которого начался творческий путь художницы. «Прощение» сейчас – попытка оглянуться назад на свои первые шаги и порассуждать о творческом и жизненном пути, который каждый выбирает сам.
Картошкина Юлия Сергеевна (1985 г., Быка).
Художник, график, яркий представитель наивного искусства.
Окончила МХГПА им. Строганова, Российскую Государственную Специализированную Академию Искусств (мастерская О.Н. Лошакова).
Член Международного художественного фонда, член Московского союза художников, участник многочисленных выставок в Москве. Персональные выставки прошли в галереях «А3», «Циферблат» и ряде других.
10 сентября - 1 октября
Группа «Воздух» и Илья Овсянников
10 сентября в 17:30 в «Матисс Клубе» откроется совместный проект группы «Воздух» и Ильи Овсянникова - «Цветопластика». Арт-объединение включает 6 авторов-выходцев творческих мастерских Александра Некрасова и Анатолия Заславского: Анастасию Савоини, Вячеслава Паничева, Лею Клотс, Лизу Зинчук, Дмитрия Денисюка и Станиславу Малаховскую. Экспозиция включает в себя более 70 живописных и графических работ разных периодов. Выставка продлится до 1 октября. Вход свободный.
«Цветопластика» - проект-рассуждение о наследии ленинградского андеграунда. Целая эпоха великих учителей и великих учеников постепенно уходит в прошлое - вслед за его участниками, оставляя за собой особый культурный код, зарытый в работах нового поколения. Поиск этого кода внутри и вовне - та задача, которая стояла перед участниками выставки.
Представленные работы напоминают некую спектрограмму Санкт-Петербурга - от электрифицированного ночного города арт-дуэта САПА (Анастасия Савоини и Вячеслав Паничев) до метафизических пейзажей Ильи Овсянникова. Геометрические цветовые пятна Леи Клотс сменяют андеграундный пейзаж Лизы Зинчук и Дмитрия Денисюка. Отдельный мотив - размышление Станиславы Малаховской о пути ленинградской графики.
Несмотря на разницу в творческих подходах и техниках исполнения, все выставленные работы пропитаны духом ленинградского неформального искусства - той связующей материей, которую можно назвать «связь времен».
Куратор выставки - Анастасия Савоини.
Об авторах:
Овсянников Илья Игоревич (1985 г., Ленинград)
Живописец. Член Союза художников.
Выпускник СПбГХПА, где учился на кафедре живописи и реставрации у Б. И. Шаманова. Окончил аспирантуру СПбГХПА, факультет монументально-декоративного искусства.
Выставочную деятельность ведет с 2006. Персональные выставки прошли в арт-центре «Пушкинская-10», в галереях «Борее», Vladey, «Новом музее» и других. Принимал участие в Параллельной программе Манифесты 10.
Работы находятся в собраниях МИСП, арт-центра «Пушкинская-10», музея «Царскосельская коллекция» и других.
Группа «Воздух»:
Денисюк Дмитрий Александрович (1985 г., Петропавловск-Камчатский)
Живописец.
Художественно-промышленную академию им. Штиглица, где учился под руководством Д.А. Шувалова, А.К. Злобина, Б.И. Шаманова. Посещал курсы при музее «Царскосельской коллекции».
Выставочную деятельность ведет с 2010 года.
Работы художника находятся в частных собраниях.
Зинчук Лиза (Трубникова Елизавета Алексеевна) (1981 г., Ленинград)
Живописец, дизайнер интерьеров.
Окончила РКТК по направлению художественная роспись по дереву. Выпускница кафедры дизайна БИЭПП, где училась под руководством А.С. Заславского. С 2000 г. посещала «Мастерскую живописи» А. М. Некрасова. Выставочную деятельность ведет с 2009 г.
Работы художника находятся в музейных и частных коллекциях.
Клотс Лея (Клоц Ольга Леонидовна) (1980 г., Пермь)
Живописец.
Заниматься живописью начала под руководством Анатолия Френкеля, выпускница «Рисовальных классов», курсов Светланы и Александра Шавардиных. В 2011 перешла в «Мастерскую живописи» А. М. Некрасова. Посещала витражную мастерскую Олега Терещенко и Елены Пламс.
Работала как бутафор и помощник декоратора в театре «Бродячая собака», «Театре Кукол» (Пермь).
Участник выставок с 2011 года.
Работы художника находятся в музейных и частных собраниях.
Малаховская Станислава Васильевна (1993 г., Санкт-Петербург)
График, каллиграф, иллюстратор книг, искусствовед, музыкант. Член секции графики Союза художников. Аспирант кафедры русского искусства академии художеств им. Ильи Репина.
Окончила СПГХПА им. А.Л. Штиглица, кафедру станковой и книжной графики. В 2013-2015 посещала мастерскую художественного объединения «Форма+цвет» под руководством Геннадия Зубкова. С 2016 участвует в выставках арт-центра «Митьки» под руководством Дмитрия Шагина.
Участник более 50 выставок и арт-фестивалей. Работы находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.
Станислава - правнучка Натана Альтмана и Бронислава Малаховского.
Паничев Вячеслав Александрович (1986 г., Ленинград)
Живописец. Член IFA.
Выпускник Института культурных программ с присвоением квалификации художника-живописца при мастерской музея «Царскосельская коллекция». Автор книг «Лаборатория искусства», «10 направлений живописи», «Свобода творить». Совместно с женой Анастасией Савоини состоит в арт-дуэте «САПА».
Участвует в выставочной деятельности с 2013 года. Персональные выставки прошли в музее «Царскосельская коллекция», галереях Юрия Молодковца, «Борей». Работы художника находятся в собрании музея «Царскосельская коллекция» и частных коллекциях.
Савоини Анастасия Андреевна (1985 г., Пушкин)
Живописец. Член IFA.
Выпускница Института культурных программ по специальности художник-живописец при мастерской музея «Царскосельская коллекция». В 2014 году закончила ИТИД, где получила диплом дизайнера интерьера. Выставочную деятельность начала в 2008 г. Совместно с мужем Вячеславом Паничевым состоит в арт-дуэте «САПА».
Персональные выставки прошли в музее «Царскосельская коллекция», галереях Юрия Молодковца, «Борей». Работы Анастасии Савоини находятся в собрании музея «Царскосельская коллекция» и частных коллекциях.
«Цветопластика» - проект-рассуждение о наследии ленинградского андеграунда. Целая эпоха великих учителей и великих учеников постепенно уходит в прошлое - вслед за его участниками, оставляя за собой особый культурный код, зарытый в работах нового поколения. Поиск этого кода внутри и вовне - та задача, которая стояла перед участниками выставки.
Представленные работы напоминают некую спектрограмму Санкт-Петербурга - от электрифицированного ночного города арт-дуэта САПА (Анастасия Савоини и Вячеслав Паничев) до метафизических пейзажей Ильи Овсянникова. Геометрические цветовые пятна Леи Клотс сменяют андеграундный пейзаж Лизы Зинчук и Дмитрия Денисюка. Отдельный мотив - размышление Станиславы Малаховской о пути ленинградской графики.
Несмотря на разницу в творческих подходах и техниках исполнения, все выставленные работы пропитаны духом ленинградского неформального искусства - той связующей материей, которую можно назвать «связь времен».
Куратор выставки - Анастасия Савоини.
Об авторах:
Овсянников Илья Игоревич (1985 г., Ленинград)
Живописец. Член Союза художников.
Выпускник СПбГХПА, где учился на кафедре живописи и реставрации у Б. И. Шаманова. Окончил аспирантуру СПбГХПА, факультет монументально-декоративного искусства.
Выставочную деятельность ведет с 2006. Персональные выставки прошли в арт-центре «Пушкинская-10», в галереях «Борее», Vladey, «Новом музее» и других. Принимал участие в Параллельной программе Манифесты 10.
Работы находятся в собраниях МИСП, арт-центра «Пушкинская-10», музея «Царскосельская коллекция» и других.
Группа «Воздух»:
Денисюк Дмитрий Александрович (1985 г., Петропавловск-Камчатский)
Живописец.
Художественно-промышленную академию им. Штиглица, где учился под руководством Д.А. Шувалова, А.К. Злобина, Б.И. Шаманова. Посещал курсы при музее «Царскосельской коллекции».
Выставочную деятельность ведет с 2010 года.
Работы художника находятся в частных собраниях.
Зинчук Лиза (Трубникова Елизавета Алексеевна) (1981 г., Ленинград)
Живописец, дизайнер интерьеров.
Окончила РКТК по направлению художественная роспись по дереву. Выпускница кафедры дизайна БИЭПП, где училась под руководством А.С. Заславского. С 2000 г. посещала «Мастерскую живописи» А. М. Некрасова. Выставочную деятельность ведет с 2009 г.
Работы художника находятся в музейных и частных коллекциях.
Клотс Лея (Клоц Ольга Леонидовна) (1980 г., Пермь)
Живописец.
Заниматься живописью начала под руководством Анатолия Френкеля, выпускница «Рисовальных классов», курсов Светланы и Александра Шавардиных. В 2011 перешла в «Мастерскую живописи» А. М. Некрасова. Посещала витражную мастерскую Олега Терещенко и Елены Пламс.
Работала как бутафор и помощник декоратора в театре «Бродячая собака», «Театре Кукол» (Пермь).
Участник выставок с 2011 года.
Работы художника находятся в музейных и частных собраниях.
Малаховская Станислава Васильевна (1993 г., Санкт-Петербург)
График, каллиграф, иллюстратор книг, искусствовед, музыкант. Член секции графики Союза художников. Аспирант кафедры русского искусства академии художеств им. Ильи Репина.
Окончила СПГХПА им. А.Л. Штиглица, кафедру станковой и книжной графики. В 2013-2015 посещала мастерскую художественного объединения «Форма+цвет» под руководством Геннадия Зубкова. С 2016 участвует в выставках арт-центра «Митьки» под руководством Дмитрия Шагина.
Участник более 50 выставок и арт-фестивалей. Работы находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.
Станислава - правнучка Натана Альтмана и Бронислава Малаховского.
Паничев Вячеслав Александрович (1986 г., Ленинград)
Живописец. Член IFA.
Выпускник Института культурных программ с присвоением квалификации художника-живописца при мастерской музея «Царскосельская коллекция». Автор книг «Лаборатория искусства», «10 направлений живописи», «Свобода творить». Совместно с женой Анастасией Савоини состоит в арт-дуэте «САПА».
Участвует в выставочной деятельности с 2013 года. Персональные выставки прошли в музее «Царскосельская коллекция», галереях Юрия Молодковца, «Борей». Работы художника находятся в собрании музея «Царскосельская коллекция» и частных коллекциях.
Савоини Анастасия Андреевна (1985 г., Пушкин)
Живописец. Член IFA.
Выпускница Института культурных программ по специальности художник-живописец при мастерской музея «Царскосельская коллекция». В 2014 году закончила ИТИД, где получила диплом дизайнера интерьера. Выставочную деятельность начала в 2008 г. Совместно с мужем Вячеславом Паничевым состоит в арт-дуэте «САПА».
Персональные выставки прошли в музее «Царскосельская коллекция», галереях Юрия Молодковца, «Борей». Работы Анастасии Савоини находятся в собрании музея «Царскосельская коллекция» и частных коллекциях.
15 мая - 15 июня
Late flowering: Глеб Ершов в «Матисс Клубе»
В галерее «Матисс Клуб» откроется выставка графических работ Глеба Ершова. Экспозиция включает в себя более 50 работ большого формата за последние 5 лет. Вернисаж пройдет 15 мая в 18:00. Вход свободный.
Глеба Ершова, в первую очередь, связывают с современной школой петербургского искусствоведения, и название выставки «Late flowering» (или «позднее цветение») несколько намекает на относительно позднее начало его активности как художника. Однако изобразительное начало пронизывает весь карьерный путь Ершова как куратора и преподавателя, поскольку тонкое искусствоведческое чутье и острый взгляд на художественную арену были бы невозможны без громкого творческого голоса внутри.
Сам Глеб Ершов называет себя «домашним художником». В первую очередь, это, конечно, связано с темой его работ, посвященных предметам быта. Уют и нежное обаяние маленьких вещей сквозят через всю экспозицию.
Ершов Глеб Юрьевич (1964 г., Улан-Батор)
Художник, искусствовед, куратор, преподаватель.
Выпускник кафедры истории искусства Ленинградского государственного университета. Доцент кафедры искусствоведения Санкт-Петербургского государственного университета культуры и искусства, Смольного факультета свободных искусств и наук СПб Государственного университета. Преподаватель и эксперт фонда поддержки современного искусства ПРО АРТЕ (Санкт-Петербург). Преподаватель школы интерпретации современного искусства Пайдейя.
С 1994 года – куратор галереи «NAVICULA ARTIS». Стипендиат конкурса соросовских аспирантов и докторантов в области гуманитарных и социальных наук (1997). Кандидат искусствоведения (диссертация «П.Н.Филонов. Проблемы историографии, мировоззрения, тематики и творческого метода»). Организатор и куратор Международного Хармс-фестиваля (1995, 1996, 1997, 1998, 2005). Организатор и куратор выставок изобразительного искусства в музеях и галереях Москвы, Санкт-Петербурга, Ленинградской области, Польше, Германии.
Автор статей и монографий по вопросам истории русского и зарубежного искусства. Обладатель премии в области современного искусства им. Сергея Курехина в номинации «лучший кураторский проект» (2013).
Глеба Ершова, в первую очередь, связывают с современной школой петербургского искусствоведения, и название выставки «Late flowering» (или «позднее цветение») несколько намекает на относительно позднее начало его активности как художника. Однако изобразительное начало пронизывает весь карьерный путь Ершова как куратора и преподавателя, поскольку тонкое искусствоведческое чутье и острый взгляд на художественную арену были бы невозможны без громкого творческого голоса внутри.
Сам Глеб Ершов называет себя «домашним художником». В первую очередь, это, конечно, связано с темой его работ, посвященных предметам быта. Уют и нежное обаяние маленьких вещей сквозят через всю экспозицию.
Ершов Глеб Юрьевич (1964 г., Улан-Батор)
Художник, искусствовед, куратор, преподаватель.
Выпускник кафедры истории искусства Ленинградского государственного университета. Доцент кафедры искусствоведения Санкт-Петербургского государственного университета культуры и искусства, Смольного факультета свободных искусств и наук СПб Государственного университета. Преподаватель и эксперт фонда поддержки современного искусства ПРО АРТЕ (Санкт-Петербург). Преподаватель школы интерпретации современного искусства Пайдейя.
С 1994 года – куратор галереи «NAVICULA ARTIS». Стипендиат конкурса соросовских аспирантов и докторантов в области гуманитарных и социальных наук (1997). Кандидат искусствоведения (диссертация «П.Н.Филонов. Проблемы историографии, мировоззрения, тематики и творческого метода»). Организатор и куратор Международного Хармс-фестиваля (1995, 1996, 1997, 1998, 2005). Организатор и куратор выставок изобразительного искусства в музеях и галереях Москвы, Санкт-Петербурга, Ленинградской области, Польше, Германии.
Автор статей и монографий по вопросам истории русского и зарубежного искусства. Обладатель премии в области современного искусства им. Сергея Курехина в номинации «лучший кураторский проект» (2013).
17 апреля - 14 мая
Апрельский натюрморт: Саша Белле, Васильева Ирина, Кирилл Дацук, Ирина Роон и Татьяна Сергеева
В галерее «Матисс Клуб» откроется коллективная весенняя выставка живописи, графики и керамики. В экспозиции будут представлены более 50 работ за последние 20 лет. Вернисаж пройдет 17 апреля в 18:00. Вход свободный.
Выставка «Апрельский натюрморт» - ода Весне, ода простым вещам, составляющим наш быт. Это живописные и графические натюрморты четырех женщин - Ирины Васильевой, Ирины Роон, Саши Белле, Татьяны Сергеевой, и керамическая инсталляция, их обрамляющая, Кирилла Дацука.
Выставка «Апрельский натюрморт» - ода Весне, ода простым вещам, составляющим наш быт. Это живописные и графические натюрморты четырех женщин - Ирины Васильевой, Ирины Роон, Саши Белле, Татьяны Сергеевой, и керамическая инсталляция, их обрамляющая, Кирилла Дацука.
13 марта - 15 апреля
Валентин Громов. Графика
В галерее «Матисс Клуб» откроется выставка Валентина Громова – одного из участников знаменитой ленинградской группы художников «Арефьевский круг». Экспозиция включает в себя около 40 графических работ за последние 60 лет. Вернисаж пройдет 13 марта в 18:00. Вход свободный.
Тонкие и чувственные работы Валентина Громова - ответ на бескомпромиссное отношение властей к творчеству 50-х-80-х. Вместе с Александром Арефьевым, Ричардом Васми, Владимиром Шагиным и Шоломом Шварцем художник выбрал путь независимого и свободного искусства. Самый «французский» член группы, Валентин Громов знаменит в первую очередь своими живописными работами, его непревзойденная графика мало известна широкому кругу зрителей.
Экспозиция выставки представляет собой ретроспективу творчества Громова-графика: кроме знаменитых серий «бани», «зеркала» и «театр» на выставке будут представлены работы из «дачной» и «пляжной» серий. Произведения выполнены в технике пастели, акварели, карандашом или тушью.
Валентин Громов родился в 1930 году в Ленинграде. В середине сороковых поступил в СХШ при Академии художеств, где познакомился с остальными участниками «Арефьевского круга» - почти со всеми из них после он был отчислен «за формализм». В 1961 году окончил Московский полиграфический институт по отделению книжной графики, и в последствии работал корректором, декоратором в театре, колористом. Работы художника находятся в коллекциях музеев и частных галереях по всему миру.
Тонкие и чувственные работы Валентина Громова - ответ на бескомпромиссное отношение властей к творчеству 50-х-80-х. Вместе с Александром Арефьевым, Ричардом Васми, Владимиром Шагиным и Шоломом Шварцем художник выбрал путь независимого и свободного искусства. Самый «французский» член группы, Валентин Громов знаменит в первую очередь своими живописными работами, его непревзойденная графика мало известна широкому кругу зрителей.
Экспозиция выставки представляет собой ретроспективу творчества Громова-графика: кроме знаменитых серий «бани», «зеркала» и «театр» на выставке будут представлены работы из «дачной» и «пляжной» серий. Произведения выполнены в технике пастели, акварели, карандашом или тушью.
Валентин Громов родился в 1930 году в Ленинграде. В середине сороковых поступил в СХШ при Академии художеств, где познакомился с остальными участниками «Арефьевского круга» - почти со всеми из них после он был отчислен «за формализм». В 1961 году окончил Московский полиграфический институт по отделению книжной графики, и в последствии работал корректором, декоратором в театре, колористом. Работы художника находятся в коллекциях музеев и частных галереях по всему миру.
12 февраля - 6 марта
«Комедия положений» - ретроспективная выставка Юрия Медведева в галерее «Матисс Клуб»
В галерее «Матисс Клуб» откроется ретроспективная выставка Юрия Медведева – одного из ярких героев мира ленинградского андеграунда. В экспозиции будет представлено более 50 живописных и графических работ 1970-х – 2020-х гг. Выставка продлится до 6 марта. Вход свободный.
Юрий Медведев - участник знаменитых выставок в ДК им «Газа» и ДК «Невский», экспоненты которых сформировали культурный пласт под названием «газаневщина». Художник входил в Товарищество Экспериментального Изобразительного Искусства (ТЭИИ), дружил с Александром Арефьевым, Михаилом Шемякиным, Олегом Григорьевым.
Структура работ Юрия Медведева неразрывно связано с его профессиональным интересом: большую часть своей жизни художник посвятил архитектуре. В частности, он спроектировал аэродинамическую лабораторию для ЛГУ (СПбГУ), поликлинику завода «Светлана», корпус очистительных сооружений завода «Мезон» и ряд других. Однако его интересы как архитектора и живописца расходятся: если в первом случае его интересует космическая тема, то как художник Медведев увлечен прозой быта.
Серии его работ, на первый взгляд, даже тематически не связанные между собой – «Азии», «Дон-Кихот», «Уличные переходы», «Пляжи», «Больницы» – на самом деле объединяет общий замысел. Юрий Медведев – автор зарисовок неприглядной будничной жизни, которая случается вне зависимости от интенций автора и зрителя.
Медведев Юрий Александрович (1939 г., Уфа)
Живописец, график, архитектор. Член Союза Архитекторов СССР
Выпускник Новосибирского инженерно-строительного института. С 1960 г. посещал мастерскую авангардиста Н. Д. Грицука. С 1962 г. по 1967 г. работал архитектором в г. Фрунзе в Киргизии. С 1967 г. живет в Ленинграде. Работал в «Ленпроекте» (мастерская академика И. И. Фомина).
С 1970-х гг. активно принимал участие в жизни неофициального искусства Ленинграда: в выставке в ДК им. «Газа», ДК «Невский», ДК «Молодежный», квартирных выставках. С 1981 г. – член ТЭИИ.
Работы Юрия Медведева находятся в собрании Государственного Русского музея, музея Нонконформистского искусства, ЦВЗ «Манеж» и ряде других.
Юрий Медведев - участник знаменитых выставок в ДК им «Газа» и ДК «Невский», экспоненты которых сформировали культурный пласт под названием «газаневщина». Художник входил в Товарищество Экспериментального Изобразительного Искусства (ТЭИИ), дружил с Александром Арефьевым, Михаилом Шемякиным, Олегом Григорьевым.
Структура работ Юрия Медведева неразрывно связано с его профессиональным интересом: большую часть своей жизни художник посвятил архитектуре. В частности, он спроектировал аэродинамическую лабораторию для ЛГУ (СПбГУ), поликлинику завода «Светлана», корпус очистительных сооружений завода «Мезон» и ряд других. Однако его интересы как архитектора и живописца расходятся: если в первом случае его интересует космическая тема, то как художник Медведев увлечен прозой быта.
Серии его работ, на первый взгляд, даже тематически не связанные между собой – «Азии», «Дон-Кихот», «Уличные переходы», «Пляжи», «Больницы» – на самом деле объединяет общий замысел. Юрий Медведев – автор зарисовок неприглядной будничной жизни, которая случается вне зависимости от интенций автора и зрителя.
Медведев Юрий Александрович (1939 г., Уфа)
Живописец, график, архитектор. Член Союза Архитекторов СССР
Выпускник Новосибирского инженерно-строительного института. С 1960 г. посещал мастерскую авангардиста Н. Д. Грицука. С 1962 г. по 1967 г. работал архитектором в г. Фрунзе в Киргизии. С 1967 г. живет в Ленинграде. Работал в «Ленпроекте» (мастерская академика И. И. Фомина).
С 1970-х гг. активно принимал участие в жизни неофициального искусства Ленинграда: в выставке в ДК им. «Газа», ДК «Невский», ДК «Молодежный», квартирных выставках. С 1981 г. – член ТЭИИ.
Работы Юрия Медведева находятся в собрании Государственного Русского музея, музея Нонконформистского искусства, ЦВЗ «Манеж» и ряде других.
24 декабря - 1 февраля
«Апофеоз геометрии»: выставка Валентина Левитина и Жанны Бровиной
24 декабря в галерее «Матисс Клуб» откроется выставка художников-нонконформистов Валентина Левитина и Жанны Бровиной. Экспозиция включает в себя более 40 живописных, графических работ, а также скульптуру. Выставка продлится до 1 февраля. Вход свободный.
Из статьи М. Иванова «Петербургская брусчатка и византийская смальта Валентина Левитина» («Звезда» №12, 2012)
«…В архитектурных мотивах Левитина, названных «метапейзажами», «запредельное пространство» означено множеством проемов и окон — открытых и замурованных. Нацеленные на зрителя, эти «входы» разверзаются провалами — манящими или пугающими. Потаенная жизнь пространства домысливается в полости чаши или вазы; резко суженная талия вазы с цветами — намек на высвобождение растения из тесноты. Граница явленного и «запредельного» — пластическая метафора транcцендентного опыта, сквозной «пластический троп» и символический образ искусства… Помимо сакральной интерпретации глубины пространства в работах Левитина отчетливо заявлена смыслообразующая иерархическая вертикаль. От нижней кромки позема, через зону предметных форм — вплоть до пустого «неба» над ними: вертикальную структуру образа определяет трехчастная модель мироздания. Универсальная мифологема (восходящая к «Мировому Древу») задает пространственные и ценностные ориентиры образа.»
Из статьи Е. Андреевой «Жанна Бровина: от скульптуры к мыслеформам» («Авангард на Неве», «Валентин Левитин. Жанна Бровина», 2004)
«Скульптуры Бровиной — головы и пространственные конструкции — хочется назвать не фигурами в материале, но культовыми постройками. Произведения Бровиной соответствуют двум храмам ХХ века, его главным культовым святыням — собору Святого Семейства Гауди и Гетеануму Штайнера. Во всех трех примерах перед нами не только скульптурная форма, выполненная в материале, и не только архитектурные конструкции, но метафоры тела-как-мироздания, стремящиеся к перевоплощению витальной силы в энергию художественного произведения».
20 декабря в 19:30
Презентация книги Михаила Иванова «Поиск слова» издательства Petronivs
Дорогие друзья! Приглашаем вас 20.12 в 19:30 на презентацию книги Михаила Иванова «Поиск слова» издательства Petronivs. В настоящем сборнике впервые собраны воедино статьи М. К. Иванова — художника и искусствоведа, публиковавшиеся в журнале «Звезда» в 1990-2010-е годы, отмеченные премией журнала в отделе «Эссеистика и критика».
Мы рассказываем об аукционах и новых проектах галереи. Наши новости приходят два раза в месяц.
Матисс Клуб © 2003 - 2024